La petite histoire des Gouzous

Un personnage haut en couleur, habitant la Réunion, qui peint avec son coeur. Connu pour ses Gouzous, il a pourtant moultes cartes à son jeu et a crée des projets décalés, ironiques, cinglants… Bref un art intéressant qui a des choses à exprimer ! Un interview autour de 4 thèmes - JACE, l’artiste & l’homme - Débat sur le street art aujourd’hui - Les Gouzous - Ses autres projets créatifs

JACE, l’artiste… l’homme

 Qui est Jace ? 

JACE c’est un grand gamin de 40 ans qui continue à courir la rue pour peindre des conneries sur les murs.

Comment tout à commencer ?

Tout a commencé concrètement en 1989, mais bien avant dans ma tête ! Ca cogitait depuis un moment entre le mouvement HIP-HOP de 84 et le mouvement skate vers 87-88 …

Pourquoi cette envie de passer de la feuille à la rue ? Quelle démarche ?

J’habitais un petit village sur la Réunion, et je fantasmais sur les belles années new-yorkaises du graffiti, je voulais faire pareil.

Les collaborations qui t’ont marquées ? Celles que tu souhaiterais initier ?

Plusieurs, une des plus marquantes est celle avec Mode 2 qui a été un moteur dès le début pour moi, Aryz, mes potos de l’époque avec qui j’ai pas mal trainé : Toch, Soto, Nefaz, 1Pek, Arsen … Plus globalement les ADN et ATS (Réunion/ Le Havre)

Quelles sont tes influences ? 

Multiples ! Bande dessinée, graffiti, peinture pop …

Les prochains défis artistiques que tu le lances ?

Faire plusieurs jours sur Tchernobyl et peindre différents spots emblématiques …

Où te retrouver (expo, projets à venir…)

Pas de grosse expo perso de prévue, je suis en ce moment au palais de Tokyo en expo collective, en aout sur NY a la galerie Jonhattan Levine pour une collective aussi (les 10 ans de Wooster collective)

Ce que j’ai vu / entendu / lu à propos de toi et de ton art me pousse fortement à penser que tu as beaucoup de choses à dire à propos de notre société actuelle. J’y vois une critique des dérèglements du système, des erreurs intrinsèques à l’humain et des manipulations quotidiennes… Peux-tu m’éclairer et confirmer ou non ce sentiment ? Parles-moi de ce que tu as envie de dire avec tes créations… Peux-tu mettre des mots dessus ?

Bah non, je pense que tu as bien ressenti le truc, si je peins, dessine… C’est que je suis un handicapé de l’expression écrite. Décrire avec autant de force ce que je peins, je ne peux pas malheureusement avec des mots , sinon j’aurais écrit des livres et j’aurai été frustré de ne pas savoir dessiner LOL !

Comment te positionnes-tu dans le grand mouvement du street art ?

Une épingle dans une botte de foin !!!

Petit débat sur le street art/graffiti

Quelle différence fais-tu entre le graffiti et le street art ?

C’est kif-kif avec plein de bourricots LOL !

Tes gouzous ont atteint un tel niveau de reconnaissance que même wikipédia leur consacre une page, que penses-tu du phénomène d’institutionnalisation du street art ? Y-a ‘il un risque de perdre l’essence première de cet art ?
(même si une page sur wikipédia n’est pas signe d’institutionnalisation, il me fallait un point d’entrée)

C’est rigolo, tu n’es pas la seule a me parler de Wikipedia comme si c’était une consécration, mouais bof ! Je sais pas, n’importe qui peut se créer une page, non ?? D’ailleurs ca fait des années que les mecs ne l’alimentent plus !!

Pour ce qui est de l’institutionnalisation,

je pense que le graffiti aura toujours droit de parole dans la rue. C’est un cri de joie, de révolte, de tristesse mais c’est un cri et le peuple a besoin de crier de laisser sortir ses émotions, c’est un des moyens …

Pour ce qui est d’être enfermé dans une galerie, un musée, c’est propre a chacun. Un moment donné quand t’as peint plusieurs années dans la rue, t’as besoin d’avoir une reconnaissance de ton travail. T’en as des fois un peu marre que le public ne respecte pas tes créations. Cela permet donc de rendre plus pérenne tes œuvres, et perso ca me permet d’avoir également un CV suffisamment conséquent  pour que le jour j’ai un souci dans la rue je peux défendre le cote artistique du truc…

Les gouzous

Comment ce petit personnage est sorti de ta tête pour arriver sur moultes murs à travers le monde … D’où vient-il ?

Un mix de plein d’ingrédients pioches ici et la … Une cuisine a la française !

Pourquoi le Gouzous est-il Orange ?

Orange ? Je le vois plus beige, certain le voit jaune, je ne sais pas, peut être a cause du soleil de la Réunion, on va dire qu’il a bonne mine

Quels messages derrière ces petits personnages ?

Des messages poétiques, politiques, sociales, écologiques, ca dépend de l’humeur du moment, de l’endroit, de ce que j’ai mange le midi …

J’ai régulièrement des projets en annexe du Gouzou qui me permettent de reprendre des bouffées d’air en cours de route et de ne pas me lasser de mon personnage. Les gens ne suivent pas toujours mais c’est pas grave … Je me fais plaisir avant tout !

Autres projets artistiques de JACE

Parle moi du projet « Electrocution scolaire »

Un pote « instit’ » m’avait récupéré quelques vieilles fiches comme ça des années 70, un régal à détourner ! J’en ai fait une puis deux, puis… Une cinquantaine. De quoi faire une expo (a la galerie Magda Danysz) ! Je me suis bien éclaté.

JACE. Électrocution Scolaire, Ben Laden

JACE. Electrocution Scolaire, Ronald

Parle moi du projet « Madakao » très poétique à mon avis car tu peins une toile vivante sur la mer.

Plein de choses a dire par rapport a ce projet : de l’échange, du nouveau, une aventure humaine, une leçon d’humilité, un choc des cultures, des contraintes techniques, logistiques pour encore mieux apprécier la vie en rentrant… Et puis ce côté monumental des formats qui naviguent sur la mer, un kif perso aussi ) !

JACE projet madakao

Parle moi du projet sur les icônes religieuses et les personnages de dessins animé

C’est des peintures ou impressions glanées ça et là dans les bazars chinois ici à la Réunion. Ils en ont plein ! Les religions sont très ancrées ici sur l’ile et je suis tellement loin de tout ca que j’essaye de dédramatiser, et parfois de ridiculiser ces icônes qui me semblent provenir d’un autre temps, je n’ai pas l’impression de vivre la même époque que ces gens qui accrochent ça dans leur salon !!! Du coup, je m’amuse à faire un carnage !
Parle moi des autres projets qui te tiennent à cœur et que je n’ai pas rencontré au fil de mes recherches sur internet…

Je viens de sortir un livre (toujours en autoédition: on est jamais mieux servi que par soi même ! ) : « la tête et les jambes » qui permet de faire des assemblages surréalistes de bas de corps avec des têtes qui ne leurs appartiennent pas : plus de 1000 combinaisons possibles …

Jace, La tete et les jambes

Je peins également des séries de « Jackson » sur bois : ce sont des portraits de black très coloré dans un esprit très motown sur du bois de palette…

Comment choisis-tu tes projets ? On ne peut qu’observer la diversité des supports, des idées et des finalités dans ton travail… Tu te fais plaisir avant tout ? Tu saisis les opportunités offertes par les rencontres ?

Chais pas moi !!! , ca vient comme ca, naturellement, j’expérimente pis quand ca me plait je reste un peu plus longtemps dessus …

As-tu réussi à faire de l’animation, j’ai lu que c’était dans tes désirs. Où en es-tu de ce côté là ?

On s’est refait un petit film dernièrement avec des potes pour la prévention des risques de contamination du sida. Le court métrage s’appelle « la montre jaune » et comporte un Gouzou qui gambade a droite a gauche dans le film.

Merci à JACE pour sa patiente, son humanité et tout le soleil de la Réunion qu’il m’a envoyé via mail

Et pour finir, je ne résiste pas à vous livrer une petite vidéo merveille de technologie qui a fait son apparition à la Biennale d’Art Contemporain de Lyon en 2007 en collaboration avec JACE. L’idée : peindre de la lumière sur les façades de la ville, entre esprit créatif et délires… Un résultat haut en couleurs et en rires à découvrir.

http://www.dailymotion.com/video/x3sp80_graff-lumineux_street#.UVbMMqKAo8o

Et pour plus de JACE et de Gouzous, voici son site : http://www.gouzou.net/

Musée d’art moderne, Paris

1^er février – 21 avril

Ouvert du mardi au dimanche
de 10h à 18h
Nocturne le jeudi jusqu’à 22h

Tarifs 
Plein tarif : 6 €
Tarif réduit : 4,50 € (plus de 60 ans, enseignants, chômeurs, famille nombreuse)
Demi-tarif : 3€ (jeunes 14-26 ans + RMIstes)
Gratuit pour les moins de 14 ans

200 œuvres pour explorer les trois grands axes de son travail :

La musique d’abord qui a toujours accompagné sa création mettant des sons sur ses idées (groupe punk Lumus crée en 1978 dont elle est la chanteuse jusqu’en 1983 )

Les arts visuels qui lui permettent d’afficher son dégoût pour l’utilisation de l’image de la femme aujourd’hui grâce à son arme fétiche : le photomontage.

La mode, qui arrive plus tardivement dans sa vie (même si dès 1981, elle avait fait fureur avec sa robe en viande) et qui montre sa collaboration avec le styliste Richard Nicol.

Née en 1954, elle commence à crée en 1976 ancrant son œuvre dans le mouvement punk. Elle monte en 1978 un groupe de musique punk « Lumus » dont elle sera la chanteuse jusqu’en 1983. Musique expérimentale, activisme féminisme, inspiration dadaïste… Autant d’influence qui se ressente dans toutes les facettes de son art.

Le photomontage pour dénoncer l’idéal (tronqué ?) de la femme parfaite dans nos sociétés

Linder centre son art autour de l’image de la femme qu’elle représente dans ses formes les plus aliénées : sex toy, cuisinière, femme de ménage, atouts féminins déformés à l’extrême, … Autant de symboles détournés pour dénoncer les violences physiques et symboliques imposées aux femmes des sociétés contemporaines.

Ses photomontages offrent une plongée dans l’univers de la publicité, dans les pages des magazines qu’elle utilise pour être au plus proche de la société qu’elle dénonce. Elle détourne les situations misogynes quotidiennes en exagérant leurs symboles pour montrer leur absurdité, leur non-sens avec le modernisme actuel

Une artiste fascinée par le fait d’outrepasser les règles 

Amour de la provocation ou réelle utilité de repousser les limites de l’acceptable pour dénoncer avec plus de force et d’efficacité ce contre quoi elle se bat ? La réponse n’est pas évidente. Son compagnon Morrissey apporte une piste de solution quand il déclare « At every stage, Linder’s work reads as screams ». Ses projets artistiques portent la marque de ce désir d’aller toujours plus loin comme pour la pochette du groupe Buzzcoks « Orgasm Addict ».

Elle hurle donc, sa colère contre le capitalisme, les sociétés actuelles, la place des femmes aujourd’hui. A grands recours de provocation, de sexualité, de violence, de désir, d’images morbides, de rouge à lèvres, de fleurs, de gâteaux, de corps nus, d’aspirateurs et d’espoir, elle dresse le portrait d’une société de l’excès.

A découvrir au Musée d’Art Moderne de Paris du 1^er février au 21 avril

Site du Musée pour plus d’informations sur l’exposition

OEFNER Fabian

Art expérimental autour de la couleur

Fabian OEFNER est à mi chemin entre le scientifique et l’artiste. Il s’est donné comme mission de rendre la science émotive et l’art rationnel… Beau défi qu’il relève avec esthétisme et poésie.

En jouant sur les notions de causes à effet, d’action / réaction il réussit à capturer des phénomènes naturels en les sublimant. Passé maître dans l’exploitation de la science au service de l’art, Fabian OEFNER nous révèle ce qui est habituellement insaisissable au regard humain. Dans son monde féérique, l’invisible se dévoile à nos yeux dans toute sa beauté et sa poésie.

« My images should communication to both viewer’s heart and brain »

Amplificateurs, microscopes, appareils photos reliés à des microphones, procédés chimiques avec des ions ferreux… Autant de techniques qu’il utilise pour créer des espaces d’illusions semblant venir d’une autre dimension. Et pourtant, telle est la force de son processus créatif, Fabian OEFNER utilise la plupart du temps des objets familiers (bulles de savons, ballons, …) qu’il confronte aux éléments naturels.

« I rarely know what the final result is going to look like, or if there will even be a result at all »

Chaque projet est une expérience unique appelant à la redéfinition de notre vision de l’environnement qui nous entoure au quotidien. Il nous invite à faire une « pause » pour apprécier ces petites choses qui sont bien trop éloignées de nos centres d’attention. Fabien OEFNER titille également nos perceptions du monde et notamment notre a-priori et nos interprétations hâtives de la plupart de ce que nous observons.

« My work is based on how we perceive the world around »

A découvrir sur fabianoefner.com (notamment une impressionnante vidéo pour le projet Millefiori à voir sur le site).

Déclaration de l’artiste recueillie sur t-squat.com

Centre Pompidou

Jusqu’au 25 mars

  »la différence entre un fou et Dali, c’est que Dali n’est pas fou »

                                                                                             Dali (en 1958)

Dali, affiche centre pompidou

Informations pratiques Centre Pompidou Plan d’accès Site de l’exposition De 11h à 23h Tarifs : 13 € Tarif réduit : 11 €

Annoncée comme la première rétrospective globale du travail de Dali, cette exposition au Centre Pompidou tient sa promesse : permettre aux visiteurs d’effleurer la complexe personnalité du créateur des montres molles.

Outre les débats sur les qualités de la scénarisation, les visions lucratives, et certains choix des commissaires de l’exposition, je pense qu’il faut saluer le défi de regrouper près de 230 œuvres de Dali dans un même espace. Il n’était pas facile de se lancer dans un tel défi  33 ans après la dernière exposition majeure de l’artiste organisée par Dali lui-même et ainsi de se mesurer à la grandeur du « Maître ». Mais pour moi le challenge est relevé.

150 peintures, des sculptures, des installations (le salon Mae West), du cinéma (le chien andalou et sa collaboration avec Hitchock pour les scènes de rêves), la photographie « Dali Atomicus » , … un tour d’horizon complet de l’étendu du génie de Dali.

Dali Atomicus

Dali Salon Mae West

Génie, ais-je bien entendu « Génie » ?

« Le surréalisme, c’est moi » déclare Dali vraisemblablement assez sûr de ses qualités. Il avait raison, la première exposition avait attirée près de 840 000 visiteurs à Beaubourg, marquant par là le record de visite du lieu, et cette nouvelle rétrospective est encore en train de faire exploser les chiffres de fréquentation.

 Comment cet artiste provocateur à outrance, qui a toujours voulu attirer le regard des foules sur ses légendaires moustaches, a-t-il réussit son pari ?

Sensualité charnelle, fascination pour les dictateurs, mondes oniriques complexes, sexualité à outrance et sens de la performance artistique… Tels sont sûrement les ingrédients d’un mélange audacieux hautement explosif qui sait séduire un large (très large) public. Certains parlent de délire pictural, d’autres de folie créatrice, d’expérimentations de l’esthétisme, de manipulation des fascinations populaires, de modes de pensée précurseurs… A tous ces termes je préfère le plus simple au final : celui de « Génie ».

Génie, oui mais alors un génie légèrement perturbé, victime de ses propres fascinations, de nombreuses phobies et de profonds refoulements (comment croyez vous qu’autant d’imagination s’exprime sur ses créations ! hein ?). C’est sûrement le revers de la médaille des plus talentueux, le côté caché des génies n’est pas forcément bon à dévoiler.

Dali, un artiste (trop ?)  fasciné par les grands mystères de la vie.

La vie et la mort, la religion, les secrets de la science, les rêves, l’amour, le pouvoir absolu,… Voici quelques unes des grands mystères pour lesquels Dali s’est passionné et que l’exposition aborde.

On entre dans l’exposition par un œuf immaculé blanc et un Dali en position fœtale, symbole de sa période intra-utérine important pour lui : le début du commencement. On sort par une sorte de labyrinthe représentant son esprit et nous offrant un large aperçu de sa production littéraire peu connue.

Entre ces deux extrémités de vie, l’exposition tente de s’organiser en séquences chronologiques et thématiques. Une chance donc pour les commissaires que Dali ait vécu sa vie par grands chapitres plus ou moins dédiés à des lubies et fascinations parfois éphémères mais toujours précises.

- Sa formation à l’école des Beaux Arts de Madrid. Il s’inspire alors des influences cubistes et puristes, du travail de Mirò et de Hans Arp « Chair de poule inaugurale », 1928 (il avait déjà de la suite dans les idées quant au titre de ses œuvres).

Dali, chair de poule inaugurale. 1928

C’est à cette époque qu’il va commencer à se passionner pour les sciences cognitives. Cette première source de fascination marque le début de l’ancrage de son art dans son univers unique et l’émergence de son génie/folie.

Dali, Le Grand Masturbateur. 1929

Cette déstructuration de l’art, il va la pousser à l’extrême avec ses comparses Bunuel et Lorca en créant le courant « Putrefacto » qui représente sa  première tentative de révolution culturelle qu’il essayera de mener toute sa vie.

- Le début de sa période surréaliste est marqué par l’émergence des premiers corps amputés, des membres démembrés et des symboles phalliques.  Comme une fascination de l’à-moitié, de l’inachevé qui prend son sens dans les parties vides qui lui reste, permettant à chacun d’y placer ses propres projections et perceptions.

Dali, le spectre du sexappeal. 1934

Ces éléments graphiques et son positionnement dans le milieu de l’art lui ouvriront les portes des cercles du surréalisme parisien aux côtés de Breton et d’Aragon.

Dali, l’enigme de Guillaume Tell. 1933

C’est à la suite de son mariage avec Gala (soit dit en passant une femme muse qui après avoir inspiré les vers de son ami Eluard viendra hanter les toiles de notre cher Dali) qu’il peindra « La persistance de la mémoire », 1931 reconnue aujourd’hui comme son chef d’œuvre planétaire par la majorité des critiques.

Dali, la persistance de la memoire

Là encore, une nouvelle fascination pour cette femme naît chez l’artiste qui brûlera de désir pour Gala jusqu’à la fin de sa vie.

Gala peinte par Dali

- C’est la période de la méthode paranoïaque critique qui commence peu après. Il donne l’impression de se confesser via ses pinceaux où il livre au grand public « des représentations de la réalité qu’il vit intensément ». C’est à cette époque qu’apparaissent les fourmis, les sauterelles, la figure du père personnifié en « Guillaume Tell », le frère jamais connu, les téléphones homaresques et autres symboles de ses fascinations et ses phobies.

Dali, Guillaume Tell. 1930

Comme si, une fois projetés sur un support physique, exposés aux yeux de tous et partagés à outrance, ses démons allaient cesser de le hanter. C’était sans compter sur leur persistance et leur force motrice dans son processus de création.

Dali, Portrait de mon frère mort. 1963

- La science a toujours été une source de fascination pour Dali. La religion et tout ce qui touche à la sphère ésotérique et au spiritualisme également. C’est donc naturellement qu’il va tenter d’unir ces deux sphères vraisemblablement incompatibles au cœur de son art. « Uranium et idylle atomique mélancolique », 1945, « La Madone de Raphaël à la vitesse maximum », 1954.

Dali, la madone de raphael a la vitesse maximum. 1954

- Fasciné, Dali l’a également été par le pouvoir absolu. Le sentiment vivace de bonheur et de reconnaissance qu’il semble y voir dans un tel exercice d’autorité, se retrouve dans ses attitudes ambigües face aux gouvernements totalitaires.

L’homme qui déclare « Comme mon propre nom Salvador (sauveur) l’indique, je suis destiné à rien moins que sauver la peinture moderne de la paresse et du chaos », est également celui qui dresse le portrait des dictateurs en pleine guerre. Tandis que d’autres utilisent l’art pour faire la guerre à la guerre (voir article sur l’Art en Guerre au MAM), Dali peint « Les 6 images de Lénine sur un piano », « L’énigme d’Hitler » et « Triple image. Portrait de Franco » en 1939.

Dali, Hallucination partielle. Six images de Lenine

Dali, L’enigme Hitler. 1939

Il soutient même Franco en 1943 lors de son retour en Espagne et ouvrira son propre musée à Figueras avec l’aide de ce même gouvernement fasciste en 1974.

Cette partie la plus contrastée de son histoire artistique est reprise par ces termes biens conventionnels à mon avis « Mythes et histoires » dans l’exposition au Centre Pompidou.

L’homme qui déclarait «  A 6 ans je voulais être cuisinière, à 7, Napoléon. Depuis mon ambition n’a jamais cessé de grandir comme ma folie des grandeurs » a réussit à démontrer sa capacité à « rendre valable la réalité d’une idée obsédante pour les autres » même si à l’origine il était le seul à être poursuivi par ses fascinations.

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La question que je me pose est comment un homme aussi fasciné par ces dictateurs et la rigueur disciplinaire qu’ils inspirent peut faire preuve d’autant d’euphorie, de prise de liberté et de lyrisme esthétique dans ses créations ?

Décédé en 1989, Dali est un des artistes les plus emblématiques du XXème siècle et si ses créations sont parfois contestables, son génie, lui, reste hors de portée de toute négation.  Sa vie est à l’image de son art, emplie de paradoxes entre rejet et désir, refoulement et revendication, … Telle est peut être une piste de réponse.

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Pour aller plus loin voici deux vidéos pour une interview en français qui permet de mieux cerner ce personnage. Attention déclarations hautes en couleurs !

Partie 1

Partie 2

Et je ne résiste pas au plaisir de vous livrer cette petite vidéo en bonus. Entre définition de la paranoïa version Dali, la théorie de la comparaison de Jésus à des montagnes et des montagnes de fromage (par Saint Augustin évidemment) et la représentation des montres molles en rapport avec du camembert !

A découvrir, d’autres expositions en 2013

Exposition Bohème(s) au Grand Palais

Yue Minjun à la Fondation Cartier

L’art en guerre : De Picasso à Dubuffet Au Musée d’Art Moderne de Paris

L’Aubade, Pablo Picasso. 1942

Réalisation française

Par Kévin Baudelle, Johanna Olombel et Johann Troude

 » Le monde visible n’est que le miroir de la volonté »

Arthur Schopenhauer

5 minutes de poésie qui nous emmènent loin, très loin, trop loin ? Dans un univers déconstruit qui détient le secret de la vie.

Belles performances musicale et visuelle grâce à un graphisme soigné et poétique à savourer sans attendre.

Ou Loss of Grasp (english) ou Perdersi (Italiano)

Par Serge Bouchardon en collaboration avec Vincent Volckaert.

Ces deux enseignants chercheurs à l’UTC (Université de Technologie de Compiègne) proposent en ligne et gratuitement une expérience artistique à tester par vous même. Attention ! Déconcertant …

Il y avait longtemps que je n’avais pas été autant surprise par une interface en libre accès et gratuite sur internet. Chapeau messieurs ! Jolie claque artistique de bon matin !

Et je ne suis pas la seule à le penser puisque cette oeuvre technologique a été lauréate en 2011 du concours New Media Writing Prize (cliquez sur le lien pour découvrir le lauréat 2012 qui vient d’être nommé). Et pourtant, 800 autres oeuvres avaient été sélectionnées… Comme quoi ça vaut le coup de consacrer 10minutes (le temps moyen de l’expérience) pour tester vos notions de lâcher prise et de contrôle de vous même.

Un petit aperçu en vidéo… Même si ces quelques secondes sont bien réductrices à côté de la puissance du programme en intégralité car au final vous êtes acteur (ou pas…) de votre propre visite.

L’objectif est de pousser le participant (vous, moi, tous ceux qui osent se lancer dans l’aventure) à la limite de sa capacité de maîtrise de lui même, à la limite de sa patience, de la tolérance du pouvoir d’autrui sur soi-même.

L’expérimentation artistique porte donc bien son nom « Déprise » : une interface sonore et visuelle pour nous faire lâcher prise. Sur qui, sur quoi ? La force de cette oeuvre technologique est de laisser à chacun le loisir d’explorer ses propres réponses.

Téléchargez ici le dossier de presse de l’oeuvre : Presentation Déprise par Serge BOUCHARDON

Mais le mieux est de cliquer sur DEPRISE.FR pour accéder directement au site internet de l’interface et commencer tout de suite votre immersion dans cette oeuvre technologique !

D’autres prouesses artistiques réunissant les univers de la création esthétique et de la technologie à découvrir sur culturetoi.com

Daito Manabé fait danser les particules

L’appli mobile ARART qui va révolutionner la vision de l’art ?

Le speed painting, la nouvelle manière de créer en direct ?

De Picasso à Dubuffet

Musée d’art Moderne de Paris

Jusqu’au 17 février

Affiche exposition Art en guerre au MAM

Informations pratiques : Plan d’accès Horaires d’ouverture : Du mardi au dimanche de 10h à 18h Nocturne le jeudi jusqu’à 22h Tarifs : Plein tarif : 11 € Tarif réduit : 8 € (plus de 60 ans, enseignants, chômeurs, famille nombreuse) Demi tarif : 5,50 € (jeunes 14-26 ans + RMIste) Gratuit pour les moins de 14 ans

Comme beaucoup d’avis et de critiques sur cette exposition, je pourrais vous raconter comment le musée a réussi à réunir et accrocher prés de 400 œuvres représentant une centaine d’artistes dont je pourrais énumérer tous les noms. Je pourrais également m’attarder à détailler les 10 séquences qui composent l’exposition de manière chronologique et vous présenter les vidéos inédites et les outils documentaires mis à dispositions des visiteurs…

Mais bien d’autres sites ont très bien fait ce travail, je préfère donc essayer de questionner le fondement de cette exposition, me plonger (de manière hasardeuse je le concède) dans le pourquoi du comment l’art de cette époque a-t-il autant façonné notre vision de l’art moderne aujourd’hui ?

Et si l’art n’avait pas « fait la guerre à la guerre » ? 

Cette rétrospective artistique a soulevé de nombreuses questions, et apporte des pistes de réflexions pour obtenir certaines réponses que je vous laisse découvrir avant le 17 février.

Y-a-t’il un véritable parallèle entre la rébellion des artistes contre les consignes esthétiques imposées par les gouvernements (leur propagande totalitaire) et la volonté d’un peuple entier de vivre libre et en totale indépendance dans son propre pays ?

Dans ce cas, peut-on parler d’art patriotique ?

Admettons, comme le montre l’exposition, que les évolutions des perceptions artistiques de cette décennie sont vraiment liées aux bouleversements historiques subies en cette période de guerre.

L’Aubade, Pablo Picasso. 1942

Dans ce cas, l’art devient le reflet des mutations d’une société en péril notamment à travers les choix des matériaux (MATISSE, PICASSO, BONNARD) durant l’entre deux guerres où déchets et bout de ficelles se battent du duel sur les toiles assombries.

Roger Payen Boite d’allumettes 1944

Marcel Duchamp, neuf moules malic, 1938 Exposition internationale du surréalisme

Il semblerait que la création artistique puisse même précéder ces mutations comme le montre en Janvier 1938 « L’exposition internationale du Surréalisme » montrant dans cette période de « montée des périls », le sentiment d’étouffement et de noirceur rapidement éprouvés par un pays entier quelques mois après. Peut-on alors s’aventurer à parler « d’art prémonitoire » ? (BRETON & DUCHAMP, BRAQUE).

Georges Braque, Le Duo. 1937

Victor Brauner, Souffrance Souffrance 1941

Les évolutions des choix artistiques autant dans leurs symbolismes que dans l’esthétisme pur peuvent également devenir une conclusion d’une histoire terminée. Un rappel aux consciences et à l’Humanité de ce que l’homme a tendance à rapidement oublier, un devoir de mémoire dont l’art se fait le garant voir l’instigateur.

C’est la dernière partie de l’exposition révélant un art d’après guerre semblable à un miroir des souffrances infligées aux corps et aux esprits avec l’émergence de deux mouvements distincts : celui de la reconstruction et de l’art sacré (FOUGERON, PIGNON) et celui d’une fuite radicale vers l’abstrait, le déstructuré, l’impalpable art brut et le lettrage comme une nécessité de mettre des mots sur une terreur qu’il ne faudrait jamais oublier ni nier.

Joseph Soos, Il fait si chaud dans les baraques. 1943

Alors si l’art n’avait pas fait la guerre à la guerre, les mutations artistiques observées existeraient-elles ?

Joseph Steib, Le conquerant. 1942

A quoi ressemblerait la création artistique aujourd’hui si la guerre n’avait pas éclatée et fait exploser les carcans du conventionnalisme artistique au profit d’un art où le sens de la dénonciation devient crucial ?

Hans Hartung, T 1946-16, 1946

Scandale, vous avez dit scandaleux ?

Une autre partie de l’exposition démontre à quel point les sociétés sont fragilisées lorsqu’elles sont terrorisées et comment il est facile de manipuler les foules via une propagande culturelle bien menée. En 1942, le Musée National d’Art Moderne ouvre ses portes au Palais de Tokyo, présentant de nombreuses toiles vidées de toutes allusions aux déchirements vécus par la société. Un art conformiste sans juifs, étrangers, personnes aux allures colorées ou affaiblies par une guerre qui se déroule pourtant tout autour. Quid des bombardements aux alentours de Paris, des enfants de la Patrie envoyés en front, des déportations et des emprisonnements… Quid de la guerre au final dans cet art creux et sans âme ?

Et pourtant, c’est sur une tout autre exposition que l’on a crié au scandale, à l’atteinte à la morale et à la pudeur… Scandaleuse ?

Otto Dix ,Portrait d’un prisonnier de guerre. 1945

La courageuse Galerie Jeanne Bucher qui a osé, à la même période, présenter les œuvres de ces artistes pointés du doigt et publiquement considérés comme « dégénérés » par les propagandes totalitaires. On entend par ces « fous » évident ceux que l’on appel les génies aujourd’hui : Klee, Kandinski, … Et que dire de Picasso qui fût interdit d’exposition… Et que penser de l’exposition Mirobus, Macadam et Cie de Dubuffet à la Galerie Drouin ?

Vassily Kandinsky, Sans titre, 1940

Ce qui fût scandaleux en 1942 s’arrache aujourd’hui à prix d’or sur le marché de l’art et fait le bonheur des sociétés d’enchères. Cet art dégénéré, le mot est fort, est devenu un modèle de création, la naissance d’un courant inspirant moultes autres artistes reconnus comme talentueux et vertueux.

Scandaleux ? Vous avez dit scandaleux ? Ce que l’esprit humain peut être faible par moment !

Marc Chagall, Résistance et les autres. 1948

Et allez pour finir et pour le plaisir de me contredire, une petite énumération des artistes majeurs croisés au cours de l’exposition : Braque, Dubuffet, Duchamp, Giacometti, Klee, Kandisky, Picasso, Joseph Steib, Soulages, Arp,…

Et pour découvrir d’autres artistes eux aussi partis en guerre avec leurs pinceaux et leurs toiles c’est par ici sur Culturetoi.fr

L’ombre du fou rire

Fondation Cartier

Du 14 novembre au 17 mars

Petit point sur la vie l’artiste : 

Autoportrait Yue Minjun

Né en 1962, Yue Minjun est aujourd’hui considéré comme le chef de file du mouvement culturel chinois appelé  « Réalisme cynique d’art contemporain »

Sa vie est marquée par de nombreux déplacements, une vie de nomade entre les plateformes pétrolières dans lesquelles travaillent sa famille. Après avoir étudié la peinture à l’huile, il rejoint lui aussi la sphère de l’exploitation pétrolière sur des plateformes en haute mer. C’est de là que naissent ses premières peintures se focalisant sur ses collègues et l’océan qui l’entoure en permanence. Même si le sourire figé n’est pas encore au centre des toiles, Yue Minjun inscrit déjà son art dans la notion du grotesque.

Le fameux sourire  décrivant aujourd’hui la majeure partie de son oeuvre apparaît après 1999 et la découverte du travail de Geng Jianyi sur une toile représentant un autoportrait de l’artiste riant à gorge déployée.

Yhe second condition    by Geng Jianyi 1989

Yue Minjun entre dans le marché de l’art international après sa participation à la Biennale d’art Contemporain de Venise en 1999, il est depuis installé dans une communauté d’artiste chinois à Beijing et continue à décliner cet énigmatique  fou rire dans d’infinies situations sur ces toiles.

Le sens de son art ?

Le théoricien Li Xianting décrit ce grinçant sourire comme « une réaction auto ironique au vide spirituel et à la folie de la Chine Moderne ». C’est donc en utilisant ce symbole de sympathie et de joie que Yue Minjun critique et remet en question les visions sociales et culturelles imposées par le gouvernement et les traditions au peuple chinois.

Un homme discret pour un marché de l’art affolé !

Si la renommée de l’artiste n’est plus à démontrée (il a même fait la couverture de Beaux Arts Magazine !! ahah), il reste un personnage assez discret. Et pourtant…

En 2007, sa toile « Exécution » bat le record de vente de l’art contemporain chinois et atteignant la somme de 5,9 millions de dollars lors d’une vente chez Sotheby’s.  Aujourd’hui, près de 13 de ses toiles se sont vendues à plus d’1 millions d’euros !

Le sourire n’a pas de prix… à moins que ce ne soit celui de Yue Minjun.

L’exposition  » L’Ombre du Fou Rire  » à la Fondation Cartier

Du grotesque, du gigantesque, du sympathique, de l’effrayant, des couleurs vives, des personnages à la chair rose vif et au sourire figé dans un énigmatique sens… Voici les toutes premières impressions en pénétrant dans l’espace de la Fondation Cartier. Un peu perdue au milieu de ces immenses toiles qui hurlent de rire (pardon pour le jeu de mot mais c’est trop bon) leurs regards ironiques sur la Chine moderne et la condition humaine de nos sociétés contemporaines en voie d’uniformisation.

40 tableaux et croquis dont certains exposés aux yeux du public pour la première fois. Une jolie plongée dans l’univers de Yue Minjun pour cette première rétrospective de son oeuvre en Europe. La Fondation Cartier nous offre une belle découverte de cette facette de l’art contemporain chinois.

Ce sourire répétitif, grinçant voire agaçant car son sens semble imperceptible est accompagné du gigantisme des toiles, des formes répétées à l’infinies et de cette impression d’expression totalement figée. Cet étrange mélange plonge le spectateur dans une étrange incompréhension, comme si l’on pouvait caresser du bout de notre conscience le sens que l’artiste donne à ses toiles sans pourtant pouvoir en percer le mystère. Au final, on est seul face à nos propres perceptions dans cet espace vide que Yue Minjun crée.

great joy by Yue Minjun 1993

yue minjun The Sun 2000

Certaines toiles ont des symboles plus ou moins identifiables, comme des points d’ancrage auxquels se rattacher au cours de l’exposition pour ne pas perdre pied.

On y croise des oiseaux migrateurs, symbole de l’exil pour ceux à qui la Chine n’ouvre plus les bras.

Un homme aux traits similaires à Mao nageant au centre d’un esprit emplit d’eau.

Yue Minjun, Water

D’autres toiles dans la seconde salle, ne place plus ce sourire crispant au centre de l’oeuvre. Elles offrent une sorte de respiration dans le cheminement de l’artiste qui déclare lui même “J’avoue que ces visages ont parfois pu opérer une certaine restriction sur mon travail. Et quand je me suis aperçu qu’ils pouvaient exercer une forme de contrôle sur moi, je ne me suis plus senti libre ».

On découvre alors un travail empli de références artistiques, des toiles de maître vidées de leur personnage (tiens tiens… ça nous rappellerai pas le travail de Bence Hajdu ? ), des classiques retravaillés comme « La liberté guidant le peuple » de Eugène de la Croix.

Eugene De La Croix, La liberte guidant le peuple

Yue Minjun, La liberte menant le peuple

Le fameux « Dos y Tres di Mayo » de Goya repris en sourire où Yue Minjun veut parler « de la douleur pour laquelle on ne trouve pas de solution ». Rappelez-vous, c’est la fameuse toile qui a battu les records de vente en atteignant des sommets en dollars…

Goya, Tres de mayo

Yue Minjun, Execution

Il vide de son acteur principal le tableau de Jacques Louis David en supprimant le défunt Marat, laissant, au centre de la toile l’ultime lettre.

Jacques-Louis David La Mort de Marat

yue minjun, the death of marat

Il s’initie également à l’art très différent et décalé du célèbre Francis Bacon dans sa série Overlapping.

Francis Bacon self portrait

yue minjun serie overlapping

Au final, l’ombre du rire de Yue Minjun montre une facette plutôt délaissée de cette manifestation de joie que seuls les humains possèdent. Le rire pour ne pas pleurer, le rire pour dédramatiser, le rire comme barrière de défense, le rire pour accompagner les cris de désenchantement envers un pays en au bord de l’étouffement, atrophié par un phénomène d’uniformisation ancré dans les tradition.

Fondation Cartier pour l’art contemporain

261 Boulevard Raspail  75014 Paris, France

Site internet et plan d’accès 

Rutger Hauer & Sil van der Woerd

Un homme, Une baleine et le néant autour.

Qu’est ce que l’Humanité a fait ?

C’est la question soulevée par ce poétique court métrage de 4min.

Attention : moment d’émotion… Triste et profond. Pas plus de mot, les images parlent tellement mieux d’elles-mêmes. Musique par Jane Blue (janeblueandthehunters. com)

Exposition-Evènement organisée par One Short Art Paris

Samedi 8 décembre

22 Rue de Lappe – PARIS

Entrée libre – A partir de 19h

Le coup de coeur du mois de décembre…

Dégustez sans modération ce plongeon dans l’univers imaginaire de notre enfance… Revisité façon Art Contemporain par One Shot Art Paris !

Une démarche intéressante entre rencontre avec les artistes, découvertes d’univers créatifs et détournement du monde fascinant de Disney, on adhère à ce concept et on trépigne d’impatience.

Rdv samedi  et merci OSAP !

Par ici le programme :

Ursula Kraft, Yves clerc, Combo, Line Chollet, Elsa Martin et Thomas Czarnecki, présenteront leur travail autour des impacts du « way of life Disney » sur notre société.

Pendant ce temps, Bernard Thomas, Le Diamantaire (lire l’interview), Milo, Pop-eye , Paella, Dominique Tissier, Michelle Knoblauch et Isadora Ducasse joueront avec la Pomme pour créer des oeuvres uniques dans le cadre de l’évènement.

Et pour les plus gourmands de performance live, Gaelle Pinheiro et Marina Pelle au théâtre et Under Bridge Trio (Jazz Cubain) et DJ Fakear (Trip Hop) à la musique, mettront la touche finale à ce festival de symboles « Disneyïques »

Plus de renseignements, détails, et images sur la page Facebook de One Shot Art Paris